PERCORSI IN MOSTRA
a cura di Massimo Palazzi


Il viaggio
Il percorso creativo di un artista può essere descritto come un viaggio solitario, un'incessante ricerca di luoghi immaginari che implica continui abbandoni, ma anche possibili ritorni. Similmente si sposta il visitatore alla scoperta di una mostra. In entrambi i casi, come anche in quello dell'artista che per lavorare decide di lasciare il suo paese d'origine, non è la meta ad essere importante, ma il percorso compiuto nel tentativo di raggiungerla.
L'ambiente in cui viaggia l'artista cubano C. Garaicoa è la metropoli che, tra utopia e realtà, diventa materiale primario del suo lavoro. Nelle foto della serie Il disegno, la scrittura, l'astrazione, la tessitura delle scritte che si sovrappongono sui muri rende visibili le stratificazioni temporali della vecchia Avana. Dalle immagini affiorano pensieri, spazi e luoghi dimenticati, mentre l'esperienza personale dell'individuo si specchia nella testimonianza concreta delle scelte politiche, culturali e sociali che hanno dato forma alla città.
Nell'installazione di A. Kiefer, la visione di un mare grigio, opaco e denso fronteggia il visitatore come un muro ed evoca un attraversamento difficile e tormentato. Al viaggio non si addice il peso delle lamiere di piombo con cui sono stati realizzati la nave da guerra e i massi collocati sotto la tela. Lavori come questo fanno pensare che la realizzazione dell'opera d'arte consenta all'artista di rendere reale il carico che porta su di sè e di sgravarsene, lasciandolo affondare come il relitto di un naufragio. Nel caso di quest'opera il titolo, Sul fondo della Moldava, evoca il messaggio antimilitarista di una canzone scritta da B.Brecht negli anni del Nazismo.
Originaria di Sarajevo, D. Dakic lavora sulla costruzione dell'identità personale e dell'idea di dimora in conseguenza di drammatici cambiamenti sociali, anche in riferimento alla sua esperienza di emigrata. Il viaggio è la condizione esistenziale dei profughi Rom che hanno posato per lei di fronte a una gigantografia del dipinto La Grande Galerie in cui il pittore francesce Hubert Robert (1733-1808) aveva immaginato il Louvre in rovina. Le foto creano un luogo senza tempo dove illusione e realtà si scontrano in un contrasto di esistenza e cultura che evidenzia la dignità umana delle persone ritratte.
Molto difficile se non adirittura rovinoso è anche il viaggio cui allude G. Friedman nella sua installazione Esodo dove una serie di figure ridotte a manichini si dirige verso una specie di imbuto come fossero forzati a perseguire una meta per raggiungere la quale dovranno subire una inevitabile trasformazione.
Il mito greco di Sisifo, condannato a spingere un masso in cima a un pendio per poi vederlo cadere a valle e ricominciare la sua inutile fatica per l'eternità, è stato rivisitato dalla delicata scultura di M. Loizidou. La leggerezza della carta e della seta si sovrappongono al dramma della ripetizione forzata di un'azione inutile per raccontarci come l'opera d'arte possa riscattare con la sua eleganza lo sforzo del vano percorso da cui scaturisce.
Come le opere di D. Dakic e di G. Friedman, anche il lavoro dell'artista camerunense B. Toguo propone il viaggio come fuga da una situazione non più sostenibile in nome della speranza nella possibilità di migliorare la propria condizione esistenziale. Il simbolo della strada dell'esodo è una barca sovraccarica di bagagli in cui al simbolo si sovrappone l'attualità dei grandi flussi migratori. Il termine coreano bottari indica un fagotto di stoffe e beni famigliari essenziali imballati per essere trasportati. K. Sooja fa convivere in esso l'idea di migrazione e quella di un'intimità domestica viaggiante, pronta per essere ricostruita con successo altrove. Nel video in mostra una telecamera si limita a seguire l'artista a distanza costante, mentre attraversa le strade di Parigi seduta su un carico di bagagli. A un certo punto, il nomadismo silenzioso e ipnotico delle immagini, sembra invertire la relazione tra viaggiatore e paesaggio attraversato. La sagoma dell'artista appare immobile ed è la città che sfila davanti a lei spostando l'attenzione dello spettatore dall'esterno della visione allo scorrimento interiore del flusso dei pensieri.
Gli insetti hanno spesso un ruolo determinante nelle opere visionarie del belga J. Fabre, nipote dell'entomologo Jean-Henry Fabre. Il problema inscena l'assurdo incontro dell'artista con i filosofi Dietmar Kamper e Peter Sloterdijk in un campo in Germania. Come i misteriosi personaggi dipinti dal connazionale surrealista René Magritte, i tre indossano il frac e spingono delle grandi palle quasi fossero scarabei stercorari. Mentre i due filosofi sono impegnati in disquisizioni senza fine come l'attività di Sisifo, l'artista gioca con la sua palla, inseguendola e cercando di sfuggirle. Al calar della notte le palle restano, emblemi di un problema che non svanisce, anzi si moltiplica nell'immagine di un'altra sfera che sale in cielo in forma di luna piena. Secondo Fabre, come Atlante non può liberarsi del globo che regge, così l'artista non può abbandonare la palla di sterco che spinge davanti a se.

Visioni
Il viaggio non è solo lo spostamento fisico di un individuo nello spazio. La scoperta inaspettata di luoghi mai visti prima e l'attraversamento di territori inesplorati può anche essere il risultato di un percorso introspettivo che conduce ogni viaggiatore, artista o visitatore a una più profonda conoscenza di se stesso. L'opera d'arte è allora ciò che resta per fornire la testimonianza tangibile di questi momenti di isolamento e introspezione.
Le incisioni di L. Bourgeois costituiscono una sorta di diario interiore compilato dall'artista nel corso di oltre quarant'anni di attività. Nella loro semplicità grafica e nell'intimità del piccolo formato, registrano quell'immaginario di visioni, sogni e incubi da cui ha origine la straordinaria produzione plastica della scultrice, suggerendo un viaggio nel tempo e descrivendo la formazione della sua personalità.
Agli occhi del visitatore, il contrasto tra la materia povera e opaca del cartone ondulato e l'istintivo stupore che si prova scoprendo la superficie specchiante all'interno del Grande Pozzo di M. Pistoletto assume il carattere di una piccola rivelazione. Ancora una volta, è il viaggio che consente la scoperta: solo avvicinandosi al cilindro e sporgendosi per guardare al suo interno si può trovare l'immagine di se e provare un sollievo analogo a quello dato dall'acqua nel deserto.
Dai primi anni Settanta la coppia di artisti inglesi Gilbert & George si espone come scultura vivente per indagare la relazione tra arte e quotidianità, vita privata e immagine pubblica. Avvalendosi della ripetizione seriale e dei forti contrasti dell'immaginario popolare e pubblicitario i due creano messaggi visivi che proclamano l'esistenza di momenti fermati e schiacciati dietro il vetro come insetti. L'opera in mostra è dedicata a 15 ritrovi del quartiere di Londra dove la coppia abita, l'East End (codice postale E1), recentemente diventato residenza di molti altri artisti.
Soprammobili, figurine, giocattoli e attrezzi di vario genere sono stati combinati da H. P. Feldmann in una ipnotica e traballante fantasmagoria. Sottraendo agli oggetti la loro connotazione abituale, legata al colore, alla funzione e al vissuto ad essi legato, l'artista crea un teatro d'ombre che invita a guardare al di là dell'esperienza quotidiana, lasciando che la fantasia del visitatore si proietti nella semioscurità dell'installazione.
Il ritmo delle onde che bagnanono il corpo dell'artista montenegrina M. Abramovic, sdraiata sulla spiaggia di Stromboli, riconduce l'artista alla sua origine in una regressione beatamente ossessiva. Il video in bianco e nero si limita a documentare un'esperienza sensoriale soggettiva, trasfigurandola nella bellezza quasi classica delle immagini che ne suggeriscono il valore universale.
I dipinti astratti di N. Nakanishi offrono la visione di paesaggi indefiniti suggeriti appena dal contrasto tra forme organiche chiare e nere che animano la tela. In esse il confine tra visione ottica e visione interiorie si confonde, un po' come quando ci si abbandona a contemplare gli ectoplasmi generati sfregando le dita sulle palpebre abbassate.
Analogamente all'opera di M. Pistoletto, anche la scritta fatta realizzare da M. Nanucci si manifesta al visitatore con il carattere di una rivelazione. La coincidenza di messaggio, visione e significato attua una specie di corto circuito percettivo nel visitatore, materializzando nel tubo al neon un attimo di piena consapevolezza.
Lo specchio, la maschera, la macchina fotografica, sono gli strumenti che hanno consentito al fotografo giapponese M. Tsukada di intraprendere un percorso introspettivo incentrato sull'immagine e l'identità. In una perfetta coincidenza di ruoli tra il fotografo e il suo strumento, una maschera è stata posta davanti all'obiettivo rivolto verso uno specchio. Le fotografie così realizzate mostrano il riflesso della maschera visto attraverso gli occhi della maschera stessa, che appare sfocata in un ambiente buio come all'insondabile interiorità dell'individuo.

Luoghi esotici
L'evocazione dei luoghi fantastici scoperti dall'artista nel corso del suo viaggio verso una meta ignota e irrangiungibile - l'isola mai trovata - è una delle premesse fondamentali alla realizzazione di questa mostra. Sono le singole opere, che a loro volta diventano isole nel mare del percorso espositivo, i luoghi esotici che il visitatore è invitato a esplorare con curiosità e spirito d'avventura.
Spostando le rocce dal loro contesto originario e ricomponendole secondo schemi geometrici seriali sul pavimento dello spazio espositivo, R. Long crea un'interazione tra luoghi diversi che offre al visitatore un nuovo paesaggio in cui la bellezza del dato naturale è esaltata dall'artificialità della sua collocazione.
La ricchissima fantasia metamorfica di L. Ontani trova il suo medium espressivo ideale nella ceramica. La facilità con cui può essere modellata e decorata, assumere la riflettenza dell'oro e dell'argento, consente all'artista di realizzare le sue visioni surreali in cui miti e leggende si sovrappongono all'immaginario popolare nei colori sgargianti di una tecnica tradizionalmente italiana quale la maiolica.
Oltre 200 oggetti di vetro trasparente formano la struttura apparentemente precaria creata da T. Cragg impilando bicchieri, bottiglie, lastre e supporti in vetro cemento. Si tratta solo di un esempio della straordinaria creatività dello scultore inglese, tappa del viaggio da lui condotto tra le forme e la materia per creare oggetti ed evocare paesaggi in grado di sottolineare il nostro rapporto tattile, fisico, cromatico e sensuale con il mondo. L'elemento esotico, definibile come “altro” rispetto alla contingenza della nostra contemporaneità geografica e storica, è il tema del lavoro di Orlan esposto in mostra. L'artista francese che, sottoponendosi a molteplici interventi di chirurgia plastica, usa proprio il corpo come mezzo espressivo, crea qui una galleria di ritratti di nativi americani da lei incarnati solo in effige grazie all'ibridazione di tecniche pittoriche e fotografiche. L'artista americano di origine greca L. Samaras orchestra materiali, casualità e movimenti disparati in un'esplorazione libera e giocosa del mondo che lo circonda. Nel filmato intitolato a sè stesso, un'ampia varietà di cose e azioni, privati della loro normale funzione utilitaristica, si avvicendano creando un'intrigante e soggettiva costruzione formale basata sulla molteplicità delle sue componenti. L'artista marocchina L. Echakhch esamina le problematiche legate all'incontro di diverse identità culturali conseguente al processo di globalizzazione dei sistemi economici. Nell'opera Principio d'economia espone articoli d'uso quotidiano che avulsi dalla loro funzione evidenziano alcune caratteristiche sociali del loro originario contesto di appartenenza. All'interno della mostra, i volumi delle forme in cui viene venduto lo zucchero in Marocco si ergono sul pavimento per essere paragonati ai cubetti di zucchero usati in occidente, dispositi dall'artista disordinatamente a terra nell'opera Principio d'economia 2 (2005). La falsità dell'immaginario esotico codificato dalle agenzie viaggio occidentali coincide con la costruzione del paesaggio ostentatamente artificiale proposto dall'opera di S. Hapaska. La sue palme realizzate in materiali sintetici colorati sono l'emblema di un'isola stereotipata, un altrove vacanziero banale quanto inverosimile.
I disegni di D. Oppenheim documentano la fase progettuale che precede la realizzazione di grandi installazioni dall'aspetto surreale. Sono fantastiche macchine inutili realizzate dall'artista per compiere imprese tanto impossibili quanto l'arduo tentativo di sradicare il male.

Il mare
L'idea del viaggio e la presenza di nuove terre da scoprire rimandano immediatamente al mare, elemento unificante, immagine della fluidità del tempo e dello spazio che connette le terre emerse. Non è un caso allora se il mare ricorre tra i soggetti delle opere esposte ed è per questo che, secondo gli intenti dei curatori, il visitatore può pensare al suo percorso in mostra come a una navigazione nello spazio su cui si affacciano come isole le opere degli artisti rappresentati.
L'assemblaggio proposto dall'artista greco J. Kounellis è parte di una straodinaria mostra viaggiante allestita a bordo del cargo Ionion nel 1994. Il mare rappresenta per l'artista un'immagine di libertà che coincide con un mitico luogo originario. L'albatros, costruito con pesanti materiali di recupero sospesi alla parete, evidenzia con la sua statica presenza materiale la libertà dell'uccello considerato compagno dei naviganti, alludendo all'analoga condizione di pesci, volatili e natanti. Il continuo, inarrestabile, alternarsi di luce e ombra è il soggetto di una serie di scatti in bianco e nero attraverso i quali Y. Bresson contempla il fluire della luce e si compiace della momentanea possibilità di registrarne il passaggio perchè, come scrisse J. W. Goethe, “La chiarezza è un'equa ripartizione di ombre e luci”.
Il dispositivo allestito da R. Horn per l'opera intitolata Oceano nel mio cuore evoca la visione del mare come esperienza interiore. Il lento e libero scivolare dei riflessi luminosi sulle pareti della stanza semioscurata suggerisce infatti una piacevole profondità interiore che, come nel caso del video di M. Abramovic, invita a una rilassante contemplazione.
Il lavoro realizzato da A. Aycock convoglia elementi naturali fluidi come l'aria e la sabbia nella costruzione di una forma che si manifesta nello spazio espositivo, dotata di una sua temporanea solidità. La compresenza di staticità strutturale e tensione dinamica dei materiali che la costituiscono, rende quest'opera particolarmente emblematica rispetto al carattere di una ricerca artistica che non si sofferma sui risultati che consegue, sempre pronta a inseguire il miraggio di un'isola che non c'è. Nelle foto di M. Bolla, i monti e il mare appaiono come miraggi di luminosa purezza evidenziati dal peso visivo dei primi piani materici e scuri che contribuiscono a proiettare lo sguardo nella distanza dell'immagine.
L'espediente compositivo e concettuale adottato da I. Kabakov per il suo dipinto connota la campitura azzurra astratta come una liberatoria immagine di leggerezza ideale. I rettangoli bianchi che la incorniciano associano ai nomi propri le parole russe che indicano il cielo, il mare, l'acqua fresca e l'aria, scritte in un anacronistico corsivo. Le forme dell'avanguardia assumono così un carattere intimista che paradossalmente si rivolge al passato. Come l'albatros costruito da J. Kounellis, l'opera di C. Tsoclis gioca sulla tensione tra libertà del movimento vitale e prigionia della forma che caratterizza ogni ricerca artistica. Il fluire dell'acqua che si identifica con il soggetto della ripresa video è per sempre arrestato nell'immagine del pesce agonizzante, trafitto dall'arpione che ne consente l'esistenza come opera d'arte nella fisicità dello spazio espositivo.
Apparentemente il mare non sembra avere nulla a che fare con il video di S. Tsivopulos. Tre uomini si aggirano in una terra desolata cercando di capire dove si trovano, come si fossero perduti e non riuscissero a orientarsi. Improvvisamente poi, il campo lungo della ripresa, rivela che la terra è in realtà un'isola dove il mare offre una potenziale via di fuga e al tempo stesso la preclude.>